LES RENDEZ-VOUS CULTURELS DE NOVEMBRE 2026

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS DE NOVEMBRE

Rencontrer, voir, lire, écouter et ne rien rater dans les semaines à venir

Isild Le Besco

Dévoration…

Jusqu’au 27 novembre

Ateliers du Réservoir à Sète

Connue pour ses rôles au cinéma et ses réalisations, Isild Le Besco cultive depuis longtemps une autre passion, moins médiatisée : les arts plastiques. Formée à la gravure sur bois à l’École Estienne, elle a conservé le goût des empreintes, celles que l’on laisse sur le papier comme celles que la vie imprime en nous. Accueillie en résidence depuis septembre au Réservoir, elle présente une trentaine de pièces uniques réalisées entre 2006 et aujourd’hui, accompagnées de trois estampes inédites : Le Regard, L’Abandon et L’Éveil. Trois titres qui pourraient aussi résumer une visite réussie, à condition de ne pas s’abandonner trop vite devant la première œuvre. Ces gravures, tirées à soixante exemplaires signés et numérotés, prolongent l’univers de son livre La Dévoration, publié chez Robert Laffont. Pour les amateurs d’art qui aiment repartir avec autre chose qu’un ticket d’entrée, les préventes sont ouvertes : 160€ l’estampe, ou 300€ les trois.

Dans un dialogue orchestré par Claire Dupont, commissaire de l’exposition, l’exposition accueille également huit artistes sétoises invitées : Armelle Caron, Lili Courtin Dupont, Elisa Fantozzi, Claire Giodano, Juliette Marre, Hélène Merlin, Agnès Rosse et Caroline Thiébault. Et les Ateliers ne comptent pas en rester là : musique, rencontres, ateliers et visites mises en scène prolongeront l’aventure jusqu’à la fin du mois.

Entrée libre
Du lundi au samedi 9h30-19h30

Dimanche 9h30-18h30

Contact 04 67 19 39 04

Programme complet : lereservoir-art.com

Ateliers du Réservoir

16 quai Maréchal de Lattre de Tassigny, Sète

Nimagine

Du 7 au 15 novembre

Parc des expositions à Nîmes

Neuf jours pour sortir du tout-fait. À l’approche des fêtes, voici un salon qui devrait réconcilier les amateurs de cadeaux originaux avec ceux qui en ont assez d’offrir toujours la même chose. Organisé par la CCI du Gard, Nimagine réunit 170 créateurs et artistes venus de toute la France, sélectionnés pour leur créativité, leur qualité et leur originalité. Deux univers se partagent la vedette : la maison, avec mobilier, luminaires et arts de la table, et la mode, entre bijoux, accessoires et textiles. Terre, verre, bois, métal, matières recyclées ou textiles : tous les matériaux passent entre les mains de créateurs. Ici, l’artisanat d’art conjugue savoir-faire traditionnel et imagination contemporaine, parfois avec une audace qui ferait presque regretter les cadeaux commandés en trois clics. Reste à trouver la perle rare : celle qui surprendra sous le sapin, ne finira pas au fond d’un placard et permettra de déclarer, avec une sincérité toute neuve : « C’est du fait main ! »

Du samedi 7 au au dimanche 15 novembre 2026
Week-ends & mercredi 11 novembre : 10h-19h
Lundi, mardi, jeudi : 12h-19h
Vendredi : 12h-22h (nocturne)

Parc Expo

230 avenue du Languedoc, Nîmes

Brahms, concert symphonique

Vendredi 13 novembre à 20h

Zénith Sud à Montpellier

Brahms au Zénith, une affiche qui pourrait faire croire que le compositeur allemand a décidé de troquer les salles de concert contre les tournées des rock stars. Pourtant, l’Orchestre national Montpellier Occitanie a bien choisi ce cadre inhabituel pour faire résonner le grand répertoire symphonique. Après tout, les grandes émotions n’ont pas besoin de fauteuils rouges pour s’exprimer. Sous la baguette de son directeur musical Roderick Cox, accompagné du pianiste sud-coréen Sunwook Kim, l’orchestre explore deux visages de Johannes Brahms (1833-1897). Le Concerto pour piano n° 1, œuvre de jeunesse tourmentée, fait gronder les passions : le piano y affronte l’orchestre dans une lutte presque dramatique. La Symphonie n° 2, composée vingt ans plus tard, nous entraîne au contraire dans une atmosphère pastorale, lumineuse et mélancolique. En somme, Brahms commence par nous secouer et finit par nous apaiser. Une sorte de séance de relaxation en deux actes, avec quelques dizaines de musiciens et beaucoup plus de panache qu’une playlist de bien-être.

Au Programme :

Concerto pour piano n° 1 en ré mineur, opus 1
5Symphonie n° 2 en ré majeur, opus 73

Durée : ±2h avec entracte

Tarifs : adulte 20€, moins de 16 ans 10€

Réservez

Roderick Cox, direction

Sunwook Kim, piano

Orchestre national Montpellier Occitanie

Zénith Sud

2733 avenue Albert Einstein, Montpellier

Conférence-concert autour de Léonard de Vinci

Jeudi 19 novembre à 18h30

Centre culturel Lacordaire à Montpellier

Et si l’un des plus célèbres tableaux du monde, La Cène, dissimulait une partition que personne n’aurait songé à écouter ? Au Centre culturel Lacordaire, à Montpellier, le musicien et musicologue Pasqualino Frigau invite à explorer cette hypothèse intrigante, développée dans son livre La Dernière Cène de Leonardo da Vinci, ultimes secrets révélés, publié aux éditions Audasud. Léonard de Vinci (1452-1519) n’était pas seulement peintre, inventeur et anatomiste, il était aussi musicien virtuose, chanteur improvisateur, joueur de lyre à la cour de Ludovic Sforza et familier de Josquin des Prés, l’inventeur du sujet caché. De quoi regarder autrement cette immense fresque où Jésus annonce la trahison de l’un de ses apôtres. Selon la théorie de l’auteur, la disposition des personnages et les détails de la nappe pourraient révéler une composition musicale dissimulée dans l’œuvre. Hypothèse audacieuse, qui transforme la longue table en partition musicale. Pour prolonger la conférence, le groupe vocal Gioia fera entendre des œuvres de l’époque, évoquant les cours italiennes et françaises de la Renaissance.

Conférence : un message musical caché dans la Cène

Concert : Leonardo da Vinci et les musiciens de son temps

Contact 06 99 43 41 47

centrelacordaire@gmail.com

Centre culturel Lacordaire

6 rue des Augustins, Montpellier

Les Nuits musicales d’Uzès

Janoska Ensemble, De Bach à Queen

Samedi 14 novembre à 20h30

L’Ombrière à Uzès

Et si Bach avait connu Freddie Mercury, auraient-ils improvisé ensemble ? C’est le genre de question que l’on peut se poser en découvrant le programme du Janoska Ensemble, invité des Nuits musicales d’Uzès. Avec De Bach à Queen, le quatuor promet de faire tomber les barrières entre les siècles, les genres et les habitudes d’écoute. De la Danse hongroise n° 1 de Brahms à Yesterday des Beatles, d’un concerto de Bach à une Carmen Fantasy, de l’incontournable Bohemian Rhapsody aux Quatre Saisons revisitées par l’Ensemble, dont la spécialité est précisément de bousculer les partitions sans leur faire perdre leur âme. À une solide formation classique, les quatre musiciens ajoutent virtuosité, influences contemporaines et surtout l’art de l’improvisation. Quatre complices qui font dialoguer les époques avec une liberté communicative. Une soirée où Bach, Vivaldi et Queen se trouvent des points communs, même si personne ne leur a encore proposé de monter un groupe ensemble.

Au programme :

Johannes Brahms : Danse Hongroise n° 1
John Lennon, Paul McCartney : Yesterday
Johann Sebastian Bach : Concerto pour deux violons
George Bizet, Franz Waxman : Carmen Fantasy
Freddie Mercury : Bohemian Rhapsody
Antonio Vivaldi, František Janoska : Quatre Saisons in the Janoska Style

Ondrej Janoska, violon
Roman Janoska, violon
František Janoska, piano
Julius Darvas, contrebasse

Tarifs : de 20€ à 38€

Réserver

L’Ombrière

3 place Croix des Palmiers, Uzès

Les Automnales, art et arts décoratifs
Vendredi 6 et samedi 7 novembre

Théâtre des Variétés à Béziers

Pour leur première édition, les Automnales investissent le Théâtre des Variétés, qui a retrouvé son éclat d’antan, avec une formule qui fait dialoguer création contemporaine, histoire de l’art et arts décoratifs. Une initiative de la maison de ventes Primardeco qui entend conjuguer plaisir des yeux et curiosité intellectuelle. Vendredi 6 novembre, les visiteurs pourront découvrir les œuvres d’Emmanuel Michel, artiste voyageur né en 1970, dont le travail sera également présenté lors d’une rencontre. À 18 heures, Gilles Bancarel, avec la Société archéologique de Béziers, remontera le temps pour évoquer les amateurs d’art biterrois dans la seconde moitié du XIXe siècle. Une époque où collectionner relevait déjà d’un certain art de vivre et où les intérieurs avaient de quoi faire pâlir nos catalogues de décoration. Samedi, changement de décor : après une dernière matinée d’exposition, place à la vente aux enchères consacrée aux arts décoratifs, de Napoléon III à l’Art déco. De quoi admirer les objets, rêver devant quelques belles pièces ou, pour les plus téméraires, lever la main au bon moment. Deux journées à la croisée du patrimoine et de la création.

Vendredi 6 novembre :
14h-18h : exposition des œuvres de l’artiste contemporain et voyageur Emmanuel Michel, ainsi que des lots proposés à la vente aux enchères.
18h : conférences avec la Société archéologique de Béziers. Gilles Bancarel évoquera le thème Arts et amateurs d’art à Béziers dans la seconde moitié du XIXe siècle, suivi d’une présentation de son œuvre par Emmanuel Michel.

Samedi 7 novembre :
10h-12h30 : exposition des œuvres et des lots de la vente.
14h30 : vente aux enchères consacrée aux arts décoratifs, de Napoléon III à l’Art déco.

Entrée gratuite

Contact 05 61 12 62 62

Théâtre des Variétés

9 rue Victor Hugo, Béziers

Marie-Ange Guilleminot : MA, l’espace qui relie

Du 7 novembre 2026 au 14 mars 2027

Carré d’Art à Nîmes

L’art de cultiver l’entre-deux. Entre deux gestes, deux objets, deux personnes. C’est dans cet intervalle que Marie-Ange Guilleminot installe son travail. Avec MA, l’espace qui relie, le Carré d’Art consacre une grande exposition à cette artiste plasticienne et performeuse née en 1960, dont la démarche explore depuis les années 1980 les frontières entre sculpture, installation, mode, vidéo et performance. Le « MA » du titre désigne cet espace qui ne sépare pas, mais relie : une pause, un silence, une distance propice à l’imagination. Chez Guilleminot, les objets les plus familiers se prêtent à d’étonnantes métamorphoses. Un chapeau devient abri, un livre se transforme, un vêtement épouse le corps jusqu’à devenir sculpture. Rien n’est tout à fait figé, et surtout pas le regard que nous portons sur les choses. Car ici, le visiteur n’est pas condamné à contempler sagement les œuvres à distance. Le corps, le toucher, le mouvement et la relation à l’autre sont au cœur de l’expérience. Des films et des performances permettent de découvrir comment ces objets s’activent, changent de fonction et prennent vie.

Vernissage vendredi 6 novembre à 18h

Contact 04 66 76 35 70

info@carreartmusee.com

Le site du Carré d’Art

Tarifs :

Plein tarif : 8 €, tarif réduit : 6 €

Télécharger le dossier de presse

Carré d’Art - musée d’art contemporain

Place de la Maison Carrée, Nîmes

À la cour de Corée

Yoon jeong Heo : Masterful Harmony

Mardi 10 novembre à 19h

Opéra Comédie à Montpellier

À la cour de Corée, le geomungo entre en scène. Il a six cordes de soie, un corps de bois sombre et une baguette de bambou pour faire vibrer ses secrets. L’instrument traditionnel coréen, cousin de la cithare, n’est pas exactement le genre à faire concurrence à une guitare électrique. Et pourtant, sous les doigts de Yoon jeong Heo, il peut ouvrir des paysages sonores insoupçonnés. Avec Masterful Harmony, cette musicienne et danseuse nous invite à un voyage au cœur de la tradition coréenne, là où les sons profonds et les vibrations semblent raconter une histoire bien plus ancienne que nous. Mais pas question de rester prisonnier du folklore ou de la carte postale : Yoon jeong Heo fait de cet héritage un langage universel. Car ici, la musique ne s’écoute pas seulement : elle se ressent. Le geste de l’instrumentiste, la présence du corps et la richesse des sonorités composent une expérience à part entière, qui déplace nos habitudes d’écoute et nous entraîne vers d’autres horizons.

Tarif unique : 10 €

Réserver

Opéra Comédie

1 place de la Comédie, Montpellier

Salon des artisans créateurs

Du 19 au 22 novembre

Espace Lutéva à Lodève

Et si, cette année, on oubliait les objets fabriqués à la chaîne pour privilégier les créations qui ont une histoire, une matièr, voire un créateur derrière elles ? C’est tout l’esprit du Salon des Artisans Créateurs de Lodève, rendez-vous des métiers d’art organisé depuis près de trente ans par la Communauté de communes Lodévois et Larzac. Près de 60 artisans sélectionnés y présentent leurs réalisations, avec un mot d’ordre : l’originalité. Mobilier et décoration, céramique et verre, mode, bijoux, accessoires ou arts de la table… De quoi satisfaire les amateurs de pièces uniques, les chasseurs de cadeaux singuliers et ceux qui prétendent simplement regarder avant de repartir avec un coup de cœur. C’est aussi l’occasion de rencontrer celles et ceux qui les imaginent et les fabriquent, d’échanger sur leurs techniques et de découvrir des savoir-faire où la patience, la précision et l’inventivité font toute la différence.

Du lundi au vendredi 8h30-12h et 13h30-17h30

Découvrir les créateurs et suivre le salon sur facebook

Contact 04 11 95 04 50

Espace Socioculturel Lutéva

11 avenue Docteur Joseph Maury, Lodève

Correspondences

Soundwalk collective & Patti Smith

Jusqu’au 8 novembre

Luma Arles

Avec Correspondences, Patti Smith et Soundwalk Collective nous invitent à cette expérience singulière, à la croisée de la poésie, du cinéma, de la musique et de l’engagement écologique. Présentée à LUMA Arles, cette installation immersive constitue la première grande exposition européenne de ce projet né de plus de dix ans de collaboration. D’un glacier qui fond à une forêt menacée, d’un désert à un territoire contaminé, Stephan Crasneanscki collecte les sons de lieux fragiles, parfois reculés, dont les enregistrements deviennent la matière d’un vaste paysage acoustique. Patti Smith y répond par sa voix, ses chants et ses poèmes. Tantôt berceuse, tantôt lamentation ou incantation, elle convoque des figures aussi diverses que Médée, les enfants de Tchernobyl ou des forces naturelles auxquelles nous prêtons trop rarement l’oreille. Les images, elles aussi, racontent des histoires en fragments. Cinq écrans monumentaux mettent en dialogue films, archives et séquences inédites. Pier Paolo Pasolini, Andreï Roublev, Alfred Wegener ou Pierre Kropotkine traversent cette constellation de références, où se croisent exploration, mémoire, politique et mythologie. Deux nouvelles créations s’attachent à la Camargue, territoire façonné par l’eau, les croyances et les transformations environnementales. Ici, pas de parcours imposé : chacun compose sa propre traversée. Correspondences ressemble à l’archive poétique d’un monde en train de changer, peut-être de disparaître.

Ouvert du mercredi au lundi 10h-18h

Contact 04 65 88 10 00

Billetterie

La Grande Halle

Parc des Ateliers
35 avenue Victor Hugo, Arles

Directeur de la publication :

Ce bulletin culturel est publié par Audasud

8 avenue Victor Hugo, 34200 Sète

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LE DESSIN DES MOTS

par Jean-Renaud Cuaz • 14 octobre 2026

1926–2026 Centenaire d’un créateur de caractères Le 14 octobre 1926 naissait à Sèvres José Mendoza y Almeida. Cent ans plus tard, ses lettres continuent de déambuler dans les livres, de composer des pages, de donner aux mots leur rythme visuel. Paradoxe du créateur de caractères : son travail est partout, mais sa signature demeure invisible au quidam. L’histoire de Mendoza est d’abord celle d’une transmission. Son père, Guillermo de Mendoza y Almeida, lui fait découvrir très tôt le dessin des lettres. Dès l’enfance, José s’intéresse à leurs formes, leurs proportions, ce qui fait qu’un caractère est reconnaissable sans cesser d’appartenir à une famille. Il ne sait pas encore que ces premières recherches annoncent une vie consacrée à l’alphabet, à ses équilibres et à ses métamorphoses. Au début des années 1950, il travaille auprès de Maximilien Vox, avant de rejoindre la Fonderie Olive, à Marseille, où il devient l’assistant de Roger Excoffon. Il y côtoie l’un des grands tempéraments de la typographie française, dans un environnement où le caractère imprimé est encore affaire de dessin, de matière et de métier. En 1959, il devient indépendant et engage une œuvre personnelle qui le conduira à collaborer avec plusieurs grandes fonderies internationales. Son premier grand caractère, le Pascal , porte la marque de cette histoire familiale. Inspiré notamment par les recherches de son père sur les formes incisées, il témoigne d’une volonté de renouer avec la tradition des lettres gravées sans se contenter de la reproduire. Mendoza ne dessine pas le passé : il cherche à lui donner un avenir. Avec le Photina , conçu pour les exigences de la photocomposition, il explore les possibilités nouvelles de la typographie de lecture. Avec l’ ITC Mendoza Roman , il développe une autre interprétation de la lettre romaine, nourrie d’une connaissance intime de ses formes humanistes, à l’instar du Messidor de Ladislas Mandel, mais en plus homogène. Ses créations témoignent d’une même recherche : trouver le point d’équilibre entre tradition et modernité, entre la personnalité du dessin et la fluidité de la lecture. Car dessiner un caractère ne consiste pas à styliser un alphabet. Il faut trouver la juste proportion entre la forme et la contre-forme, entre le noir et le blanc dans un mot, entre la singularité d’un dessin et la régularité nécessaire à la lecture. Il faut penser simultanément le détail et la page, le signe isolé et la ligne entière. Une typographie réussie est une architecture dont le lecteur éprouve l’harmonie sans nécessairement en percevoir les efforts. Mais l’œuvre de José Mendoza y Almeida ne se limite pas aux caractères qu’il a dessinés. Elle se prolonge aussi dans l’enseignement, dans la transmission d’un savoir et dans la formation de ceux qui, à leur tour, feront vivre la création typographique. Il enseigna, dans les anciens murs de l’Imprimerie nationale, rue de la Convention, à l’ANCT (Atelier national de création typographique, devenu l’ANRT) aux côtés de Ladislas Mandel. Deux personnalités, deux sensibilités réunies autour d’une même exigence : apprendre à regarder la lettre, à comprendre sa construction, son histoire et ses subtils équilibres avant de prétendre la dessiner. Et avec Peter Keller, apprendre la subtilité helvétique du graphisme typographique. Les premiers élèves à sortir de cet atelier furent notre regretté Franck Jalleau, Isabelle Durand, Ronan Le Hénaff et l’auteur de ces lignes, composées en ITC Mendoza Roman . Nous appartenions à cette première génération qui eut le privilège de recevoir cet enseignement au moment où la création typographique française s’ouvrait à de nouvelles perspectives. Au-delà des techniques et des savoir-faire, Mendoza transmettait une certaine idée du métier : la sensibilité du dessin, le respect des formes héritées, mais aussi la liberté nécessaire pour inventer celles de demain. Avec le recul, cette expérience prend une dimension particulière. On mesure mieux ce que représente la rencontre avec un maître : non pas l’apprentissage d’un style à reproduire, mais l’acquisition d’un regard. Celui qui permet de comprendre pourquoi une courbe est juste, pourquoi un espacement modifie la cadence d’un mot, pourquoi un caractère, si discret soit-il, peut changer l’éloquence et l’équilibre d’une page. La typographie est un art de la continuité que chaque génération ne cesse de réinterroger. Des caractères traversent les décennies, voire les siècles, quand plus souvent, ils n’atteignent pas l’âge adulte. À l’heure où les outils numériques permettent de produire des milliers de polices en quelques clics, cet anniversaire nous invite à retrouver le temps long du dessin typographique. Une lettre n’est jamais une forme neutre. Elle porte une mémoire, révèle une sensibilité, impose une cadence à la lecture. Elle est à la fois un objet de création et un instrument de partage. Rendre hommage à José Mendoza y Almeida, un siècle après sa naissance, c’est célébrer un artiste qui a travaillé au plus près des mots sans jamais chercher à leur voler la vedette. C’est reconnaître que le livre doit aussi sa beauté à ceux qui façonnent ses lettres, règlent ses blancs et inventent cette harmonie silencieuse. Pour ceux qui ont eu la chance de suivre son enseignement, son nom ne désigne pas seulement un créateur dont les caractères ont marqué l’histoire du livre. Il rappelle une expérience fondatrice, une manière de regarder et de penser, une exigence qui continue de nous accompagner bien après avoir quitté l’atelier.

LA TROUSSE AUX MORTS

par Jean-Renaud Cuaz • 7 octobre 2026

Quand la grande bleue, lourde et tourmentée, s’agitait au loin et qu’au-dessus, immobile et menaçant, un grain de mer orageux souillait le ciel, remontait à la surface le souvenir du naufrage de ce voilier démâté. Deux couples de plaisanciers avaient lancé un appel de détresse, rudoyés par la furie des flots. Un de ces coups de tabac qui se jouent de votre caboteur comme d’un fétu de pirogue. Il le revivait dans ces moments-là, à l’aube, quand il pensait ne pas être dérangé dans le bureau de la snsm *, au bout du môle, du moins par les visites inopinées. Il ouvrait l’armoire métallique pour en saisir le même dossier. D’où il tirait son rapport d’enquête, consigné de mots simples dépourvus d’ornements. Ses photos prises à la volée qu’il étalait sous ses yeux. Ces trois visages saisis entre deux paquets de mer hantaient ses nuits depuis ce jour. Un regard en particulier qui vient de croiser la mort, glacial, muet, qui semble vous questionner. Vous faire regretter de n’être pas arrivé plus tôt, assez tôt pour les secourir. Tous. Cette silhouette venue de nul part s’était vite aperçue qu’un des leurs manquait à bord, quand ça secouait dur, quand les drisses crissaient avant de céder. Les voiles déchirées, le moteur noyé ne présageaient rien de bon malgré la passe du port pourtant proche. Tourmentées par de violents ressacs, trois vies humaines, impuissantes à refouler les déferlements de vagues, écopaient leurs assauts en attendant le canot tous temps des sauveteurs en mer. Pour cet équipage en sursis, l’attente d’une main-forte leur jetant un cordage. Pour lui, l’espoir d’arriver sur zone au plus vite et ramener les survivants. Pour ensuite, de retour au port, consigner le quotidien du sauvetage. Il s’éloignait de son bureau et de sa radio vhs quand la mer somnolait. La plage de la Corniche lui tendait ses bras langoureux et salés. Il aimait l’arpenter de long en long, seulement détourné de son cap par une vaguelette qui lui léchait les semelles et semblait lui dire : tu vois, je sais aussi être bienveillante… Ce matin-là, dans un élan d’amertume, elle avait jeté sur le sable une forme humaine. Soudainement, dans sa tête, les ondes courtes recrachaient l’appel de détresse se mêlant à la sirène du Sémaphore. Les coups de butoir de la mer se réveillaient pour se confondre avec les martèlements de son cœur. Il sortit son portable de la poche et cliqua du pouce, parmi les favoris, le numéro du commissariat de police. « Il me faut une trousse aux morts, plage de la Baleine » . Il aimait désigner ainsi les sacs mortuaires à usage unique, à fermeture éclair. Un clin d’œil à son Hitchcock préféré, et à l’énigmatique Eva Marie Saint. Il redoutait toujours cet instant, malgré son trait d’humour noirci d’amertume… À l’issue d’une autopsie dont il devinait le résultat, il faudra contacter ce visage qui dévorait ses nuits toujours plus courtes. Le corps de son Eva va lui être rendu et pourra rejoindre les siens au cimetière des Saintes-Maries. Le ronflement d’un Canadair se rapprochant lui fit lever la tête. Il l’avait aperçu un peu plus tôt au-dessus des salins. L’appareil le survola, lui fit signe d’un battement d’ailes, puis vira à gauche vers le large pour revenir à la perpendiculaire de la côte, en direction de l’étang. En rase motte, le délicat survol soulevait le sable sur son passage, à quelques mètres des lignes à haute tension. C’était la période d’exercices des bombardiers d’eau, du remplissage de cuve dans les plans d’eau au largage sur cible. Il rendit le salut au pilote d’un battement de bras. C’était son fils qui venait de rejoindre l’escadrille du Sdis 34 **, et se préparait à affronter la saison des feux, toujours plus longue. Fierté d’un père pêcheur de vies pour un fils au destin parallèle. Seulement séparés par l’altitude, accolés quand l’avion effleure les flots de son étrave jaune et rouge. Instinctivement, comme pour évacuer une émotion qu’il ne pouvait saisir, il se mit à courir le long de la grève en attendant l’ambulance. De retour au quartier des Quilles, il gara sa voiture au parking souterrain, près du bac à sable incendie. Il y plongerait volontiers sa main si les mégots accumulés ne l’obligeaient à refouler cet instinct juvénile. Résignés à un sombre destin, ces infortunés fragments de coquillages patientent en attendant d’étouffer un départ d’incendie à coups de pelle. Un de ces mégots mal éteints, une nappe d’huile et ils rejoindront les flots, poussés vers un avaloir par de bienveillants jets d’eau. Ici-bas, ils égrènent leur chapelet, cloitrés dans leur cachot de béton en attendant le retour à la mer patrie, qui les fera à nouveau voyager au gré de ses courants et du caprice des vents. * La Société Nationale de Sauvetage en Mer, seule organisation agréée dédiée au sauvetage en mer en France. ** Le Service Départemental d’Incendie et de Secours de l’Hérault. Photo : La Mort aux trousses (North by Northwest), Cary Grant et Eva Marie Saint

C’ÉTAIT IA OU MOURIR

par Jean-Renaud Cuaz • 3 octobre 2026

C’ÉTAIT IA OU MOURIR Un être humain vient de publier C’était ça ou mourir , roman relatant le parcours d’un migrant haïtien qui traverse une douzaine de pays avant d’atteindre le Canada. La critique applaudit à juste titre . Les lecteurs suivirent. La télévision s’en mêla. L’éditeur imagina les bandeaux de couverture pour un prix littéraire alors que le Goncourt inscrivait le livre sur sa liste. Bref, tout était parfaitement normal dans le monde merveilleux de l’édition parisienne. Jusqu’à ce qu’une intelligence artificielle décide de mettre son grain de sel. Ou plutôt que des humains demandent à des intelligences artificielles de déterminer si un humain avait écrit son propre livre. Il fallait y penser. Depuis des siècles, la littérature avait pourtant trouvé un moyen relativement simple de juger les écrivains : on lisait leurs livres. On pouvait les trouver magnifiques, médiocres, prétentieux, bouleversants, illisibles ou géniaux. On pouvait même — luxe suprême — ne pas être d’accord. Mais nous vivons désormais à une époque où lire ne suffit plus. Il faut authentifier. Le roman fut donc passé à la machine. Puis à une autre machine. Puis à une troisième, histoire de donner à l’affaire toute la solennité scientifique nécessaire. Pangram conclut que l’intelligence artificielle avait probablement participé à l’écriture des 34 chapitres. GPTZero arriva à une conclusion similaire. Winston , lui, fut beaucoup plus nuancé, puisqu’il trouva des passages allant de 12 % à 66 % susceptibles d’être humains. La page des remerciements, en revanche, rallia les suffrages : 100 % humaine. On attend désormais avec impatience le premier prix littéraire décerné au meilleur paragraphe de remerciements. Il y a quelque chose, sinon de pourri au royaume du bookmark , du moins d’irrésistiblement comique dans cette affaire. L’auteur affirme avoir commencé son livre en 2017 et terminé un premier manuscrit en 2019. C’est-à-dire à une époque où l’intelligence artificielle générative n’avait pas encore envahi nos écrans, nos bureaux, nos écoles, nos entreprises et nos conversations. Mais peu importe. L’algorithme soupçonne. Donc l’homme doit se justifier. Bienvenue dans la littérature médico-légale. Demain, avant de publier un roman, l’auteur devra probablement déposer son manuscrit chez un laboratoire agréé. On analysera son ADN stylistique, la fréquence de ses adjectifs, la longueur moyenne de ses phrases et la proportion de ses métaphores naturellement produites par son cerveau. Un expert pourra alors déclarer : « Après analyse approfondie, nous estimons que ce paragraphe est humain à 73,4 %. » 73,4 % ! Le reste ? Mystère. Peut-être la machine. Peut-être le stagiaire. Les spécialistes reconnaissent pourtant que les détecteurs d’IA sont loin d’être infaillibles. Certains sont particulièrement fragiles lorsqu’ils analysent des textes qui ne sont pas en anglais. Le patron de Pangram avance un taux de faux positifs extraordinairement faible, tout en reconnaissant que ce taux n’a pas été confirmé par des études indépendantes. Ce qui n’empêche évidemment personne de s’en servir comme d’un détecteur de mensonges littéraire. Après tout, pourquoi faire compliqué ? Il suffit désormais de demander à une machine si une autre machine a écrit le livre d’un homme. Et si la machine dit oui, l’homme est prié de produire les preuves du contraire. On comprend que le monde de l’édition soit quelque peu nerveux. Car l’IA menace évidemment de bouleverser la profession. Les éditeurs redoutent les « livres parasites », les auteurs s’interrogent sur ce qu’ils auront encore le droit de demander à une machine, et certains songent déjà à apposer sur leurs couvertures un label garantissant une œuvre « 100 % humaine ». Ah, le merveilleux concept du 100 % humain… Il faudra donc désormais certifier l’écrivain comme on certifie un produit alimentaire. Sans IA. Sans conservateur. Sans colorant. Sans algorithme. Élevé en liberté dans un bureau à la campagne. Nourri au café. Écrit à la main entre deux crises existentielles. On pourrait même imaginer une nouvelle réglementation : pour obtenir le label, l’auteur devra signer une déclaration sur l’honneur certifiant qu’il n’a jamais demandé à une IA de trouver un synonyme, de corriger une faute, de proposer un titre ou de lui expliquer pourquoi son troisième chapitre était complètement raté. Car voilà le paradoxe : l’IA est déjà partout, mais la littérature voudrait encore croire qu’elle pourra installer une frontière hermétique entre l’homme et la machine. Bonne chance. L’affaire aura au moins révélé quelque chose de beaucoup plus intéressant que la seule question de savoir qui a écrit quoi : notre époque commence à avoir peur de ne plus savoir reconnaître l’humain. Et cette peur est peut-être plus révélatrice que les résultats des détecteurs. Car si un texte nous bouleverse, faut-il vraiment savoir si son auteur a utilisé un logiciel pour chercher un mot ? Si un roman raconte une expérience humaine, doit-on désormais vérifier la composition moléculaire de chaque phrase avant de décider si elle mérite d’être lue ? La littérature risque ainsi de devenir une discipline assez particulière : on ne demandera bientôt plus à l’auteur « Pourquoi avez-vous écrit ce livre ? », mais « Pouvez-vous prouver que vous l’avez écrit ? » Et peut-être qu’un jour, au Goncourt, le jury ne lira même plus les manuscrits. Il les fera scanner. Une machine donnera son verdict. Une autre vérifiera le verdict. Une troisième certifiera que les deux premières sont bien des machines. Puis un quatrième algorithme évaluera leur degré d’humanité. Et pendant ce temps, quelque part, un écrivain écrira tranquillement une phrase. Une phrase imparfaite, inutile. Une phrase magnifique. Que personne n’aura pensé à demander à une machine de valider. Ce jour-là, peut-être, il sera définitivement trop tard. Car C’était ça ou mourir aura changé de sens. Ce n’était plus seulement l’histoire d’un homme qui devait fuir pour survivre. C’était l’histoire d’un écrivain qui devait prouver qu’il était encore vivant. Et dans le grand tintamarre de l’intelligence artificielle, il ne restera bientôt plus qu’une question à poser : Qui, de l’homme ou de la machine, aura finalement le dernier mot ? On peut toujours demander à ChatGPT . Mais attention. Il faudra d’abord vérifier qu’on est bien humain. L’autre jour, en me connectant à Doctolib , l’interface m’a demandé de cocher la case Je suis humain . Ceci afin d’éviter, sur le point de choisir une date de rendez-vous, qu’un robot souffreteux ne prenne ma place. (Illustration : Leon Tolstoï à son bureau par Ilya Repin (1891)

GARDIEN DE MUSE

par Jean-Renaud Cuaz • 26 septembre 2026

Dans Gardien de Muse , Serge Neyrat transforme une fonction que l’on imagine plutôt silencieuse — surveiller les salles du Musée Ingres Bourdelle — en matière poétique. Le recueil rassemble une trentaine de poèmes nés d’une expérience très particulière : passer des journées entières face à des chefs-d’œuvre, sans toujours savoir au départ quoi en penser. Le narrateur se présente volontiers comme un gardien « sans grande culture », débarqué au milieu des toiles de Jean-Auguste-Dominique Ingres et des sculptures de Antoine Bourdelle un peu comme un promeneur entré par hasard dans un temple. Peu à peu pourtant, les œuvres d‘art cessent d’être de simples objets accrochés au mur, posés sur un piédestal : elles deviennent des compagnons de service, presque des collègues de travail. On finit par connaître leurs caprices, leurs bizarreries et leurs réputations. Les poèmes évoquent ainsi avec une ironie bon enfant quelques figures incontournables du musée. La célèbre Grande Odalisque apparaît avec ses courbes « discutables », mais sublimées par l’image en regard du poème. Tandis que l’ombre de Raphaël plane sur les ambitions d’Ingres. Du côté de la sculpture, la puissance de Héraclès archer rappelle que les muscles en bronze peuvent impressionner même un gardien pourtant habitué aux visiteurs turbulents. Mais derrière ces rencontres artistiques se glisse la vie très concrète du musée : les rondes quotidiennes, les visiteurs rêveurs ou distraits, et les longues heures où l’on finit par discuter mentalement avec les tableaux. L’humour affleure souvent, comme si l’auteur s’amusait du contraste entre la grandeur des oeuvres et la modestie du gardien chargé de veiller sur elles. Au fil du recueil, l’art finit pourtant par gagner la partie. Ce qui n’était au départ qu’un travail devient une familiarité presque affectueuse. Et lorsque vient l’heure de penser à la retraite, le gardien réalise qu’il aura passé trente ans à converser, mine de rien, avec quelques génies de l’histoire de l’art. Une chose est sûre : les muses ne sont jamais loin de leur gardien. Ce recueil est né de projets atypiques menés en partage. Celui d’un surveillant de musée qui, entouré d’œuvres d’art durant trente années, devient passeur de mémoire. Celui d’une poétesse qui découvre cet homme discret et son histoire, l’invite à faire de ses souvenirs et réflexions une matière poétique, accompagne cette démarche de son regard et de ses photographies, et qui à son tour, devient passeuse de récit. Celui, enfin, d’un éditeur qui, donnant à cette aventure son titre et une forme palpable, se réjouit de voir un Gardien de Muse cheminer jusqu’à ses lecteurs. Avec le précieux soutien de l’équipe du Musée Ingres Bourdelle, ils offrent ainsi à l’ancien palais épiscopal une destinée inattendue, recueillir des confessions d’un nouveau genre. Celui d’une poésie illustrée qui éclaire le lieu et les œuvres d’une émotion insolite, capable de toucher au-delà d’un parcours muséal. Né à Montauban en 1963, Serge Neyrat est surveillant de salle au musée Ingres Bourdelle depuis plus de trente ans. Ancien boulanger, balayeur puis ripeur, il a trouvé dans les salles du musée un écrin pour son regard et sa poésie. Fidèle compagnon des oeuvres et des visiteurs, « celui qui se déplace toujours avec une chaise » signe aujourd’hui un recueil de trente poèmes. Comme un passeur de mémoire, il nous invite à parcourir le musée de ses rêves, pour en faire le nôtre. Jean-Renaud Cuaz, Éditeur À paraître : Gardien de Muse Trente poèmes d’un Surveillant de salle du Musée Ingres Bourdelle de Montauban 68 pages | Format : 210 x 148 mm 15 € | ISBN 9-782487-131552

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS D’OCTOBRE 2026

par Jean-Renaud Cuaz • 26 septembre 2026

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS D’OCTOBRE Rencontrer, voir, lire, écouter et ne rien rater dans les semaines à venir

FESTIVAL AGNÈS VARDA 2026

par Jean-Renaud Cuaz • 10 septembre 2026

La Pointe Courte (1955) La photographe Agnès Varda tourna en amateur, à l’aide d’un financement coopératif, son tout premier long métrage de fiction, La Pointe Courte , dont la minuscule péninsule tenait le rôle-titre. Elle disait avoir été fascinée par « la lumière écrasante » de ce « quartier insolite ». Le film aura une influence moins perceptible sur les Pointus que sur les cinéphiles à travers le monde, un film « libre et pur, miraculeux. Le premier son de cloche d’un immense carillon », selon la critique quasi unanime. LA NOUVELLE VAGUE , une fois déferlée, a fait émerger dans l’eau ceux qui nageaient sans maillot. De jeunes Parisiens ordinaires en quête d’amour, d’indépendance et de dialogues simples, ne s’occupant que de leurs petites affaires. Souvent oisifs et ne craignant pas d’enfreindre la loi. Sourds à la société et à la famille qu’ils voient en noir et blanc. À l’origine, le terme nouvelle vague était une expression sociétale, mais très vite, une campagne publicitaire du Centre national de la cinématographie — un fonds public qui transforme les cinéastes en fonctionnaires — lui collera une étiquette exclusivement septième art. Pour résumer l’intrigue, c’est l’histoire d’un groupe de critiques surnommés Jeunes Turcs qui, voulant devenir réalisateurs, ont profité de l’apparition de caméras et magnétophones mobiles aisés à manipuler, créant l’effet miroir du regard caméra cher à ce mouvement, sans passer par le parcours traditionnel de la profession. Submergeant le mal-être d’une jeunesse d’avant 1968 aussi déboussolée que révoltée, la Nouvelle Vague fut considérée par une partie de la critique comme un truquage, voire une escroquerie, lui reprochant de se complaire dans la « monarchie gaulliste ». “Pour les blessures de l’âme, la photographie ne suffisait pas.” Agnès Varda, à propos de La Pointe Courte Galvanisée par la cinégénie des décors et de ses occupants, les presqu’insulaires Pointus, Agnès Varda s’embarqua pour des joutes contre les scénarios littéraires et les jeux d’acteur surannés venus du théâtre. Le film fut dévoilé le 10 mai 1955 au Festival de Cannes, pour une sortie nationale le 4 janvier 1956. Avant celle-ci, il fut présenté en avant-première à Sète au cinéma le Colisée le 27 août 1955. Ce jour-là, la cinéaste avait retenu cette réflexion dans l’assistance : « Ce serait pas mal s’il n’y avait pas ces deux bourriques ! » faisant sans peine allusion à Silvia Monfort et à Philippe Noiret qui débutait au cinéma. Le saviez-vous ? C’est Francis Crouzet , ancien conseiller général, initiateur de la statue L’Ajustaïre du Cadre royal, défenseur de l’environnement et du quartier de la Pointe Courte, qui fut à l’initiative de donner le nom d’Agnès Varda à l’une de ses traverses. Demande entérinée par le maire de l’époque, Yves Marchand. Le film n’a jamais bénéficié d’une véritable distribution commerciale et sa diffusion s’est surtout faite dans les ciné-clubs. Aucune affiche n’a donc été créée en 1955, ni pour sa présentation à Cannes (10 mai), ni pour son avant-première au cinéma Le Colisée de Sète (27 août), ou pour sa sortie nationale le 4 janvier 1956. Seuls des tracts et des annonces étaient distribués ou diffusés. Les affiches du film que l’on peut voir sont donc postérieures. DISTRIBUTION Silvia Monfort elle Philippe Noiret lui Les Pointus eux-mêmes FICHE TECHNIQUE Réalisation, scénario Agnès Varda Chef opérateur Louis Stein Assistants opérateurs Paul Soulignac, Bernard Grasberg, Louis Soulanes Montage Alain Resnais, Henri Colpi Assistante montage Anne Sarraute Musique Pierre Barbaud et thèmes folkloriques locaux Conseiller technique Carlos Vilardebó Conseillère artistique Valentine Schlegel Scripte Jane Vilardebó Régisseur général Jean-Pierre Bonfils

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS DE SEPTEMBRE 2026

par Jean-Renaud Cuaz • 25 août 2026

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS DE SEPTEMBRE Rencontrer, voir, lire, écouter et ne rien rater dans les semaines à venir

ÉLISE ET ANNA SELLIER, PIONNIÈRES DE LA SAINT-LOUIS

par Jean-Renaud Cuaz • 20 août 2026

Mariés, tenez-vous bien, voici la jeunesse qui arrive ! Cette joviale mise en garde accompagnait l’air joué au moment de la charge des jouteurs arc-boutés sur leur tintaine. Une rivalité fondée sur l’état civil et la couleur des deux barques, bleu pour les célibataires, rouge pour les mariés. Avant que les tournois ne s’ouvrent aux demoiselles et aux dames, on compensa ce sectarisme par des prénoms féminins donnés aux barques : Mathilde, Véronique, Fanny, Blanche… Question d’équilibre, là aussi. Il fallut attendre le 30 août 1891 pour voir ce privilège jeté à l’eau par deux Cettoises, les sœurs Élise et Anna Sellier. Et le 18 août 2022 , pour voir naître le premier tournoi féminin de la Saint-Louis, après deux années de réflexion sans joutes, dues à une pandémie dévastatrice, mais somme toute salutaire. Élise et Anna Sellier, pionnières de la Saint-Louis Deux jeunes sœurs originaires du quartier de la Bordigue ont eu l’honneur, le 30 août 1891 , d’ouvrir le Grand Prix de la Saint-Louis. Elle furent autorisées à combattre sur la tintaine sous les regards dubitatifs d’une foule plus habituée à de mâles silhouettes. Sous une apparence frêle et juvénile — Anna, la plus jeune, n’avait que 17 ans — rien ne prêtait à confusion malgré leur sportivité. Un corsage à col marin sur une longue et ample jupe, un chapeau à larges bords relevés sur le devant. Leur poitrine arborait une cocarde aux couleurs de leur barque et une médaille gagnée dans un concours à Marseille. Leur père, Pierre Sellier, pêcheur à la Pointe Courte, les avait endurcies par des sorties sur l’étang parfois houleuses. Une tintaine sur un placide canal, fût-il un Cadre royal plein comme un œuf, ce lundi de la Saint-Louis, n’allait pas les effaroucher. Dans son compte-rendu, le journaliste de l’Éclair écrivit : « C’est la plus jeune des deux sœurs, Mlle Anna, qui, à la deuxième passe, expédia Élise à l'eau. Un exploit jamais réalisé à ce jour par aucun jouteur. En réalité, c'est deux adversaires qu'Anna envoya au bain... sa sœur étant dans une situation intéressante… » Car Élise était aussi tombée… enceinte. Le grand peintre des joutes Toussaint Roussy, turlupiné par cet assortiment, formula un jugement sans appel : « Après cette épreuve, sympathique, mais peu concluante, est-il permis de croire que pareil exemple soit suivi dans le futur ? Aussi pouvons-nous prédire, sans crainte de nous tromper, que le féminisme n’encombrera de longtemps nos jeux populaires, vu que l’effort physique qu’il faut y déployer ne se prête nullement à la constitution de la femme pour si robuste qu’elle soit. Quoiqu’il en soit, ce fait unique et nouveau ne restera dans les annales que comme un souvenir sensationnel et de la plus grande originalité ». Si la représentation du monde des joutes par Toussaint Roussy ne manquait ni de finesse ni de justesse, comme le montrent les pages de ce livre, sa vision de la féminité se révèlera aussi rustique que l’était son Repoutegaïre. Extraits de : Le Grand Livres des Joutes, de 1900 à 1951 Les Palmarès de la Saint-Louis et des tournois régionaux Publié en 2024 à l’occasion de la 280e édition de la Saint-Louis Auteurs : Jean-Louis Cianni et Jean-Renaud Cuaz Portfolio au format 217 x 300 mm comprenant : • la pochette cartonnée avec rabats • le livret de 68 pages (A4) • 16 feuillets (A4) • 2 feuillets triptyques 3 volets (891 x 210 mm) Isbn : 9-782487-131217 (décembre 2024) Prix public : 25 € Feuilleter et commander le Portfolio ici Illustrations de Toussaint Roussy : Élise et Anna Sellier, aquarelle de Anna, dessin du Repoutegaïre (rouspéteur)

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS D’AOÛT 2026

par Jean-Renaud Cuaz • 28 juillet 2026

LES RENDEZ-VOUS CULTURELS D’AOÛT Rencontrer, voir, lire, écouter et ne rien rater dans les semaines à venir

HISTOIRE DES BAINS DE MER À SÈTE

par Jean-Renaud Cuaz • 17 juillet 2026

La mer, la mer, toujours… recommandée ! Dans cette Histoire des bains de mer à Sète , la grande bleue cesse d’être un simple décor. Françoise Lapeyre nous dévoile ce qu’elle fut au XIXe siècle, après une longue période d’appréhension : un remède. On y venait « prendre la vague » comme on va prendre les eaux à Balaruc. Le vitalisme marin attirait des milliers de curistes vers ce qui allait devenir la plus ancienne station balnéaire de la Méditerranée française. La plage était alors une ordonnance, la houle une embrocation salée, l’air marin un adjuvant contre les miasmes urbains. De nos jours, il suffit de contempler la plage de Sète pour croire que tout a toujours été là : le sable, les plagistes, la baignade et les brise-lames. Pourtant, derrière cette apparence, se cache une histoire fascinante des bains de mer curatifs et récréatifs que l’historienne exhume avec une curiosité d’archéologue et un travail de bénédictin. Si la force de cet ouvrage réside dans l’étendue de son propos et dans la richesse de sa documentation — une mosaïque d’archives et de journaux oubliés, correspondances et cartes anciennes, gravures et photographies — l’autrice ne se contente pas de raconter l’histoire. Elle la reconstitue projet après projet, saison après saison, mode après mode… Surgit ainsi au fil des pages, entre des baigneuses crispées et leurs guides-baigneurs, une galerie de portraits déterminants : entrepreneurs audacieux, médecins visionnaires, hôteliers obligeants… Toute une société reprend vie, du Kursaal à la Corniche et la pointe du Lazaret. Et l’on découvre une ville qui invente peu à peu une vocation balnéaire sans jamais renier son identité portuaire et populaire. Françoise Lapeyre nous offre, en redonnant chair à un passé largement effacé par le temps et les transformations urbaines, bien davantage qu’un livre d’histoire locale : un miroir précieux de notre mémoire collective. Une saga sétoise indispensable pour comprendre le charme et l’attrait de la Reine des plages méditerranéennes qui poussa un poète moustachu à se fendre d’une supplique pour passer sa mort en vacance… le long de cette grève où le sable est si fin. Jean-Renaud Cuaz, éditeur HISTOIRE DES BAINS DE MER À SÈTE Des bains thérapeutiques au tourisme balnéaire, de 1812 à nos jours Autrice : Françoise Lapeyre 25 € | ISBN 9-78248131514 Format 30 x 21 cm | 220 pages Couverture rigide

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